COMO FOTOGRAFIAR

Scott Hargis | Fotógrafo de la semana

Scott Hargis es un fotógrafo de arquitectura muy respetado con un portafolio masivo lleno de espacios verdaderamente espectaculares fotografiados brillantemente. Quería saber qué era lo que movía a este tipo y qué tipo de arquitectura era su favorita para fotografiar. “No hay un estilo arquitectónico o de diseño de interiores que prefiera; siempre que sea un BUEN diseño, me interesa ”, me dijo. “Un diseño excelente se presta a la interpretación con la cámara, y me siento más feliz cuando puedo mostrar una estructura o espacio de una manera que nadie (incluido el arquitecto) lo ha visto antes.

“Trabajo de una manera muy tradicional, confiando principalmente en la técnica de campo para ‘terminar’ mis fotos en la cámara, en lugar de depender de la manipulación digital para ensamblar una imagen a partir de partes”, una diferenciación de otros fotógrafos de arquitectura extremadamente exitosos, como Mike. Kelley. Esto no es algo malo ni una técnica superior, es solo una preferencia. “Además de ser más divertido de esa manera, creo que los resultados son más orgánicos y llevan un aire de autenticidad e integridad que puede faltar en fotografías altamente procesadas. Si bien no soy reacio a usar Photoshop, y se sabe que se mezcla en una ventana o un tragaluz, no es mi solución ideal. Si tengo la opción de pasar tiempo en el campo con mi cámara o pasar tiempo frente a mi computadora con Photoshop, elegiré la cámara en todo momento. Disfruto mucho trabajar con lentes y luces … ¡software, no tanto! “

Entonces, ¿cómo descubrió Scott su talento? “Llegué a la fotografía tarde en la vida, cogí una cámara por primera vez a mediados de los 20 y no me volví particularmente serio hasta los 30. Tenía alrededor de 39 años cuando dejé mi trabajo como gerente general de Kinko’s y me dediqué a la fotografía. Luché de una manera extrema durante los primeros años, hasta que tropecé con los interiores a través de la fotografía inmobiliaria. Trabajar en bienes raíces me hizo ganar mi primer dinero real, pero lo más importante es que descubrí que los interiores eran “mi” género: ¡el tema realmente funcionó para mí! Me convertí en una máquina de fotografía inmobiliaria, pagué la deuda que había acumulado como startup y comencé a esforzarme más en mi trabajo con cada sesión que hice. Fotografié cada una de esas casitas de mierda como si estuviera en una misión para la revista Dwell y, a medida que mis habilidades crecieron, atraje a una clientela cada vez mejor. Hoy en día ya no fotografío mucho para agentes inmobiliarios, pero mi lista de clientes incluye arquitectos, diseñadores de interiores, constructores y otras industrias relacionadas “.

Scott fue generoso al compartir algunas imágenes detrás de escena con nosotros, que puede ver en la galería a continuación.

“Intento asimilar alguna forma de arte clásico o contemporáneo todos los meses, y encuentro que puedo enriquecer mi fotografía al estudiar el trabajo de artistas que trabajan en otros medios. Ver cómo otros artistas se acercan a sus temas, componen sus piezas y juegan con luces y sombras informa mi propio trabajo y me ayuda a concentrarme en mi propia respuesta emocional a mi tema (arquitectura) en lugar de empantanarme en lo técnico para el punto que pierdo el “arte” en mis fotos. Me tomó mucho tiempo sentirme cómodo describiéndome a mí mismo como un artista, y si realmente califico no me corresponde a mí decirlo, pero eso es a lo que aspiro ”.

Es fácil ver el trabajo de Scott como digno de ser etiquetado como arte. “El trabajo que hago es Arte Comercial. Creo que la mitad del “Arte” es la más importante. Si bien estoy ciertamente motivado para ganar dinero, he descubierto que, consistentemente, me va mejor económicamente cuando estoy más concentrado en mi arte, en lugar de producir una foto “comercialmente viable”. La arquitectura es en sí misma una forma de arte (se la ha descrito como “música congelada”) y si no me sintonizo con eso, mis imágenes serán planas y carecerán de la emoción que mis clientes han trabajado tan duro para despertar. Mi objetivo siempre es evocar en mis espectadores la misma respuesta que siento cuando me encuentro con mi sujeto por primera vez. Si, al mismo tiempo, puedo guiarlos para que vean la estructura correctamente y puedan apreciar las sutilezas del diseño, entonces he acertado. Es muy difícil hacer todas esas cosas en una fotografía, pero la sensación de satisfacción cuando creo que me he acercado es difícil de superar. ¡Trabajaré muy duro, durante muchas semanas, para recuperar ese sentimiento! “

Equipo favorito de Scotts

“En cuanto al equipo, esta es la parte que menos me gusta de la fotografía. Por ejemplo, no me encantan las cámaras en sí, y nunca me oirás hablar del último gran artilugio que ilumina la blogosfera. Para mí, las cámaras son solo obstáculos entre mí y las fotos que quiero hacer.

“Dicho esto, la fotografía arquitectónica es sin duda uno de los géneros más intensivos en equipo, y voy a todas partes con 9 cajas de iluminación y agarre, con un peso de alrededor de 450 libras. Confío en las mochilas y cabezas Dynalite, así como en Elinchrom Rangers, y llevo mucha iluminación continua Arri y Lowell. También hago mucha iluminación sustractiva, lo que significa muchas mallas, banderas y telas opacas. Gran parte de mi agarre está altamente personalizado o construido desde cero por mi asistente, Alan Vance. Solo las tarifas por equipaje adicional en un vuelo internacional pueden ser de $ 800… pero eso es lo que se necesita para hacer el trabajo. Mucha gente piensa que HDR es el equivalente a la iluminación, pero ninguna cantidad de software puede compensar la luz plana y de mierda que a veces encontramos. En el mejor de los casos, el HDR puede mitigar, hasta cierto punto, el rango dinámico al que a veces nos enfrentamos (ventanas brillantes e interiores oscuros, por ejemplo), pero no puede producir la sensación de tridimensionalidad y el estado de ánimo que proporciona una buena iluminación. La iluminación es parte integral de mis imágenes “.

Canon 5D MKIII

Canon TS-E de 24 mm

Canon TS-E de 17 mm

Schneider 50 mm Super Angulon

Canon 70-200 mm

Muchos filtros; GND y CP

Muchos geles: CTO, Plus Green, Minus Green y ocasionalmente CTB.

Paquetes y cabezas Elinchrom Ranger AS

Paquetes y cabezas de Dynalite

Arri y Luces calientes de Lowel que van desde 150W hasta 500W

Paraguas de rebote

Una variedad salvaje y extraña de tarjetas, banderas, cinefoil, scrims, rejilla, sedas y telas opacas

Alrededor de veinte bombillas de tungsteno de 15 vatios para reemplazar las CFL y las luces existentes demasiado brillantes.

Cabezal de trípode con engranajes Manfrotto 405

Las lentes con “movimientos” (por ejemplo, “lentes de cambio”) son esenciales para el trabajo arquitectónico; sin control de perspectiva, realmente no podemos hacer nuestro trabajo. Por esta razón, las cámaras técnicas son ideales para interiores y arquitectura debido a los amplios movimientos que permiten. A veces disparo con una cámara Sinar 4 × 5, utilizando principalmente película negativa Kodak Portra 160 porque escanea mejor que los cromados. Desafortunadamente, pocas asignaciones comerciales se prestan al ritmo lento del flujo de trabajo de una película.

Consejo de Scotts para fotógrafos emergentes

“El compositor Phillip Glass dijo una vez: ‘La música es suficiente para toda la vida, pero toda una vida no es suficiente para la música’, y yo siento lo mismo acerca de la fotografía. Sin embargo, me impulsa a explorar lo más lejos y profundo que pueda en el tiempo que me queda. He estado filmando durante unos 10 años; y espero tener más de 30 años más, así que espero que todavía esté en las primeras etapas de mi desarrollo. En pocas palabras, quiero hacer fotografías que sean tan buenas como sea posible. Mi propia evaluación de mi trabajo actual es que podría estar llegando al punto en el que ya no apesta. Me gustaría llegar al punto en el que siento que realmente sé lo que estoy haciendo. Sobre todo, estoy tratando de aprender a ver a mis sujetos … VERLOS REALMENTE. Ven a buscarme en una década más o menos y te haré saber cómo va.

“Creo que si hay algo que me hizo triunfar es que nunca sucumbí a la excusa de que mis clientes, o el presupuesto del rodaje, podían dictar el nivel de esfuerzo que iba a poner. Nada me molesta más que escuchar a un fotógrafo decir: “Bueno, claro … lo haría ESTAy ESE, si tuviera un trabajo ‘de alto nivel’, pero mis clientes no pagarían por eso “. Nunca obtendrá ese trabajo de “alta calidad” si no comienza a demostrar que puede producir un trabajo de alta calidad … HOY. Desde el principio, abordé todos los trabajos, por humildes que fueran, como si me hubieran encargado de rodar la Casa Blanca. Ese esfuerzo me ha valido la pena, muchas veces.

“También creo que se arruinan más fotografías en la postproducción de las que se arruinan en la cámara. Veo a muchos fotógrafos aplicando cantidades masivas de acciones y filtros de Photoshop y horas de trabajo … cuando una exposición simple, inteligente y única hubiera sido mucho mejor. La foto sobrecocida parece ser lo más común que veo al revisar portafolios. Mi consejo suele ser evitar todo software durante unos meses y concentrarse únicamente en la técnica de la cámara. ¡Se hicieron excelentes fotos (incluidas las fotos de interiores) durante décadas antes de la llegada de Photoshop! “

Asegúrese de revisar Scott’s.

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